Bring Her Back

 

Bring Her Back. El terror siempre está en búsqueda de nuevas ideas, para sorprender y por ende asustar. Acá podemos ver una mezcla muy interesante de terror psicológico con un atisbo de sectas, conjuros y delirios. Un par de hermanos, Andy junto a su hermana Piper, pierden a su padre en extrañas circunstancias y debido a que son menores de edad, pasan al cuidado de una mujer, mientras el mayor cumple los 18 y puede hacerse cargo de su hermana, la que es no vidente. Desde que los hermanos pisan el extraño lugar donde vive Laura, su madre de paso, se dan cuenta que hay un ambiente raro, frió, oscuro, sumado al hecho que hay otro niño en igual condición que ellos, llamado Ollie, el que no habla, que pasa los días solo jugando en una piscina vacía. La estructura de la historia va mostrando lentamente cada uno de los detalles de sus protagonistas, siempre en un tono frio y angustiante, mezclado con recuerdos que van ordenando un poco el puzzle que se va generando, sobre todo cuando Laura cuenta que su hija murió hace un tiempo ahogada en su piscina. Con escenas fuertes y algo chocantes, la película se incrusta en la mente del espectador de manera intrigante, y a ratos asfixiante. Con un tono desgastado visualmente, muestra momentos que podrían ser del tipo found footage, o vídeos caseros, que aumentan mas ese aire malvado que se se aprecia por momentos.

Las atmósferas siempre están cargadas de una densidad perversa, aun en los momentos más luminosos, en cada plano hay algo extraño que pareciera una advertencia, alertándote o preparándote para algo desconocido. Una interesante película, de un horror diferente, desde la óptica en que es relatada y que conserva frescura, incluso al no ser tan original en el fondo, provoca una mirada más a fondo de las perdidas emocionales que cada uno lleva dentro. Nota, son los mismos directores de Talk to Me, Danny y Michael Philippou. Se dice que ya están en la producción de Talk to me 2.

La Chica de la Aguja

 

La Chica De La Aguja. El cine de vez en cuando nos muestra títulos como este, (película danesa) que distan del común estilo que acostumbramos a ver. Basado en hechos reales, nos cuenta la historia de Karoline, que durante la primera guerra mundial oficiaba en una fábrica de ropa para los soldados, en la ciudad de Copenhague. Sola, ya que su marido está en la guerra, lucha día a día por sobrevivir sin saber nada de su esposo. Las circunstancias la llevan por un camino complicado y casi de sobre vivencia, en el cual se topa matemáticamente con el dueño de la fábrica donde trabaja, la que hace más miserable su vida. Con una fotografía fantástica, en un crudo y sucio blanco y negro, nos transporta a ese mundo visceral y decadente de una vida en la Europa pobre y bélica. Con imágenes fuertes, crudas, lúgubres, nos adentramos en el complejo sitial que debe sobrellevar Karoline, que de un minuto a otro descubre que su esposo a vuelto, cargando un pesar más a su vida, sumado a un embarazo no deseado, se ve en la obligación de regalar a su hijo. Desde ese punto la historia toma otros ribetes, adentrándonos en una debacle moral de la protagonista, que cae en un abismo y del cual trata de salir. Momentos fuertes y muy emocionales, hacen que la historia se torne aún más oscura, más agónica y desesperante. Consciente o no, Karoline comienza a luchar con sus demonios internos, tratando de alivianar el peso que lleva en sus hombros, como una manera de sacudirse los errores anteriores. Sin duda una gran película, con muy buenas actuaciones. Hay unos momentos que me recordó a Freaks, por su tono y obvio, por su lado circense. La constante sensación de gélida atmósfera y sucio contexto, sumado a la magnífica fotografía, te transporta a ese universo desconsolador, duro y deshumanizando. 

Muy recomendable.

Shine

 

Shine, es de esas películas que deambulan por tu memoria mucho tiempo, las que siempre te recuerdan ese halo de esperanza y que, a pesar de todo, se puede lograr casi todo. Shine una película de 1996, ella nos muestra la vida de David Helfgott, un niño prodigio en el piano, que, obligado por su padre, quiere ser uno de los mejores pianistas existentes. La travesía de David es tortuosa, a pesar de sus dotes y del reconocimiento de muchos que desean apoyarlo, no obstante, la tiránica relación con su padre, lo va complicando todo, volviéndose una pesadilla que va más allá de lograr sus objetivos. Debido a su prodigio, recibe una beca, la que su padre desecha, y pone entre la espada y la pared a David. El elige estudiar, y eso conlleva al quiebre de ambos, situación que lo marcara de por vida. Esta historia nos muestra los altos y bajos de un joven con un talento increíble, que bajo la sobre exigencia de su padre, se pierde en si mismo, quebrándose por completo, convirtiéndose en algo que podría haber sido, solo en eso, un casi, en un quizás. El devenir de David, lo lleva por diferentes lugares y estados de ánimo,  hasta que logra llegar sitio justo y con las personas adecuadas. La gran actuación de Geoffrey Rush, plasma en forma efectiva la difícil, pero no menos alegre vida de David, construyendo un retrato tan elocuente como querible. Esto lo llevo a ganar el Oscar a mejor actor de ese año, un merecido reconocimiento, en épocas, cuando el Oscar significaba algo. Shine, conocida acá como Claroscuro, es un recordatorio, al igual que le ocurrió a Icaro, que, por tratar de llegar a brillar como el sol, tus sueños pueden derretirse, más al final siempre hay un brillo que encandilara ese camino tan complicado que debes recorrer.

The Sadness

 

The Sadness, es una película China, que lleva la idea de un virus, pandemia, o concepto zombie, a un nivel mucho más crudo y voraz. Todo comienza con una suerte de contagio rápido y sangriento, en donde 2 de sus protagonistas, quedan separados e intentan reencontrarse, a través de un mar de sangre, odio, rabia y violencia.

El argumento es sencillo, pero no por ello pierde efectividad, se va desarrollando en la lucha por sobrevivir a cualquier costo, quedando en claro, que, para ello, todo está permitido, en una sociedad totalmente individualista. La película en si es caótica visualmente por momentos, en otros se torna más pausada, pero no menos destructiva y visceral. La crítica a un estado o sociedad caníbal se demuestra en cada uno de las etapas o problemas que deben sortear los protagonistas, cada uno enceguecido en su propia sobrevivencia, dejando atrás un colapso de sangre, vísceras y horror. Lo explícito de algunas escenas, marca la diferencia con otras películas similares, sobre todo en aquellas que de lo gore pasan por algo más erótico o sexual. Su despliegue visual es uno de sus mayores logros, provocando un estado de constante descontrol y turbulencia. Sin ser una obra magistral, te absorbe con su agilidad, con su descontrol y su decadencia. Un film para analizar y analizarnos, que quizás la próxima pandemia sea más sangrienta que la ya llevamos encima

La Hermanastra Fea

 

La Hermanastra Fea o Den Stygge Stesøsteren, nombre original en noruego, es la primera película de la directora Emilie Blichfeldt, la cual da rienda suelta a una novedosa e imaginativa versión de Cenicienta. Olvídense del cuento como lo conocían; esto es una reinvención oscura y bastante cruda que pone el foco donde nadie esperaba: en Elvira, la supuesta villana.  Lo que me encantó es cómo se cargan los arquetipos de siempre. Aquí no hay "buenas" ni "malas" de cuento, sino mujeres reales tratando de sobrevivir en un mundo donde casarse no es por amor, sino la única salida desesperada para no terminar en la indigencia. De hecho, ver a Agnes, la clásica Cenicienta, retratada como una estratega calculadora que desprecia a todos por su dinero, te cambia totalmente la perspectiva. En cambio, Elvira es la verdadera soñadora atrapada en una fantasía peligrosa. 

Esta película no se guarda nada con el body horror, ya que muestran unos tratamientos estéticos tortuosos para que Elvira encaje en los cánones de belleza reales. Son escenas crudas, pero necesarias para el mensaje que quieren dar sobre la presión que sufren las mujeres. 

Aunque el final se siente un poco acelerado en la relación entre las hermanas (ya que faltó mayor desarrollo con Alma), visualmente es preciosa y la crítica es mordaz. Es una propuesta retorcida, original y necesaria para replantearnos qué nos enseñaron con esos cuentos de hadas. Totalmente recomendada si buscan algo diferente. By Yuyito

La Voz de Hind Rajab

 

La Voz de Hind Rajab: Difícil es poder definir si se trata de una película, un documental, un live action o un grito de desesperación en este mundo enfermo. Basada en hechos reales, esta producción nos muestra, en un tono de una cruel realidad, lo acontecido con una pequeña de 7 años, Hind Rajab, que quedo atrapada en un vehículo, durante las batallas ocurridas en Gaza. Mezclando actuación con momentos reales, grabados en ese momento. La historia va desgranando y perturbando, lo que la locura de la guerra nos entrega. En un relato vívido y muy realista, se muestra el papel que desempeñan un grupo de personas, que tratan de rescatar a quien lo necesite en esa zona de guerra. Hindi aparece un día en los llamados de emergencia y de ahí ya todo cambia para los rescatistas, que ven como el tiempo juega en su contra y las posibilidades de ayudarla se desvanecen. Utilizando las grabaciones reales de ese día, se va conociendo la desazón y el miedo que Hind siente en esos momentos. Esto sumado al dolor y la impotencia de no poder ayudarla, ahonda aun mas el drama de este grupo de personas, que mueve todo lo que tiene a su alcance para poder rescatarla. El contexto de una guerra fratricida, añadido a la inocencia de esta niña, hace mella en su relato. Sin usar el llanto fácil y sin peso, sin usar efectos, sin usar mas locaciones que las necesarias, sin usar una gota de sangre y sin usar una sola bala, te daña mas de lo que se podría imaginar, ya que nos desnuda como humanidad, y muestra ese lado egoísta, oscuro, insensible, y que se siente inalterable, inmutable, que es lo peor. Una dosis de realidad que golpea, pero deja mucho mas que una sola voz. 

1978

 

1978: El cine argentino siempre ha gozado de un gran nivel a lo largo del tiempo, por ello no es de extrañar que su crecimiento haya llegado también al cine de terror. En este caso con 1978, en donde se recrea un par de momentos clave en la historia trasandina. Específicamente, el mundial de 1978 y la dictadura de Videla. Esto da pie a una arista muy ingeniosa y novedosa, que surte efecto y queda plasmada en una historia oscura, sangrienta, con tintes de ocultismo y un sesgo de crítica y analogía a lo ocurrido en esa época en Argentina. Todo se mueve dentro de un grupo inteligencia y policías de esa época, los que se encargan de buscar, arrestar y reprimir, a cualquiera que esté en contra del gobierno de la época. Con una mirada fría y agresiva, la película va entrelazando ese épico día donde Argentina podía ser campeón del mundo, con las torturas y vejaciones que este grupo de hombres les realiza a unos jóvenes disidentes. De ese terror real, incomodo, pasa a la acción más gore y visceral, dando rienda suelta a un claro homenaje a todas las películas del género que han sido claves en la historia de este cine. La idea de un nuevo despertar o de un salvador para ese tortuoso momento calza muy bien en la historia, Si bien la segunda mitad de la historia es la más fuerte y explosiva, la excesiva mezcla de ideas se confunde un poco, pero sin perder la idea original. Un experimento que logra mantener el interés en todo momento, realizando la justa comparación de la dicha, felicidad y alegría, de un día inolvidable para ese país, el ser campeones del mundo en futbol, con la tristeza, angustia y aflicción que dejo esa oscura etapa en Argentina, donde el horror fue mucho más real que una simple película. 

Equals

                                                       

Equals: Las distopias en el cine, se han vuelto un punto de referencia en todo tipo de historias, especialmente en futuros apocalípticos, robotizados, destructivos. Otro tema muy recurrente es la de una sociedad carente de emociones, dentro de estas se mueve Equals. Una visión de un mundo devastado por una guerra, en la cual los individuos llevan una vida carente de sentimientos, y en donde sentirlos y expresarlos es considerado una enfermedad, es más se busca una cura para ello. La película tiene una visión muy minimalista, muy cuidada, inmediatamente, te puede recordar Gattaca, Equlibrium, pero sin esa arista explosiva o llena de acción, al contrario, es un continuo entrelazamiento de imágenes pausadas, y un andar lento, parsimonioso, todo esto muy bien decorado y armonizado con una atmosfera fría, junto a diálogos precisos y concisos. La trama en si es obvia, una pareja encuentra en ese mundo casi sintético, el amor que este negado y proscrito en esa sociedad. Nicholas Hoult y Kristen Stewart, son los amantes que deben ocultar cualquier atisbo de sentimientos o de alguna conexión, para no ser sanados, por la sociedad que los mira como enfermos. Sin ser una gran historia ni tampoco tan original, deja un sabor especial, marca una mirada más a fondo de lo que cada uno lleva y necesita, para seguir adelante, aun en condiciones imposibles. Esa lucha que ambos proyectan es la base de la historia, en la que cada uno de ellos se desentiende de si mismo, sintiendo mas por el otro que por si mismo, esto se demuestra en una frase que Kristen le dice a el. Si bien el final no cierra como quizás esperábamos, nos hace pensar y meditar que hay cosas que son inevitables y pasaran sea como sea.

La Muerte de Robin Hood

 

La Muerte de Robin Hood: Por muchas décadas, la leyenda de Robin Hood, se ha mostrado como el defensor del pueblo, que robaba a los ricos para dárselo a los pobres. Mas en esta producción, la historia se cuenta de una manera muy diferente, dejando al valiente y filántropo de Robin Hood, como un ladrón, un salvaje, un pendenciero. 

Hugh Jackman, nos muestra un Robin desgarbado, un forajido, en el ocaso de su vida, en el que cada paso que se da es un acercamiento al final de su vida. La primera parte de la película, esta magistralmente llevada, con un tono frio, sucio, tosco, mostrando la debacle moral que lo ha llevado a ese momento en específico. Muerte y sangre se ven sin contemplación de edad ni género, acrecentando aún más ese tono sombrío, que se refleja en la excelente fotografía (Pat Scola), de la película, dándole por momentos un aire casi vikingo por las texturas que se reflejan. Robin y su amigo el Pequeño John, dan rienda suelta a su violencia, que los dejan a maltraer, por lo que huyen y buscan refugio en un convento, en el cual Robin es dejado. Desde este punto, la película cambia de rumbo y se convierte en el camino hacia una redención que Robin Hood nunca solicitó, pero ante la cual deberá decidir qué hacer.

El proceso que se inicia desde ahí escarba en cada una de las heridas provocadas por años de pillerías, asesinatos y maltratos. El peso de sus actos lo oprime y lo consume lentamente, mientras titubea ante cuál podría ser la salida más acorde con aquel momento de su corrompida historia.

Con apenas su vida a cuestas, el final parece claro: las leyendas se construyen así, sobre una realidad que no siempre es precisa, que exagera, omite y esconde sus pasajes más sórdidos para dejar entrar un rayo de luz allí donde, muchas veces, jamás lo hubo. 

Michael Sarnoski, su director (Quiet Place Day 1, Pig), nos presenta una película que mantiene el interés en todo momento, que decae en cierto punto, cuando la claridad se hace presente y borra un poco la penumbra del inicio, pero que muestra el otro lado del héroe, cosa que ya ha mostrado Hugh Jackman anteriormente (Wolverine) y que de pronto recuerda al Luchador (Mickey Rourke).

Laberinto

 

Advertencia: quien lea esto no espere una opinión neutral ni desapasionada.

Labyrinth —o Laberinto en Latinoamérica, Dentro del laberinto en España— fue estrenada en 1986, dirigida por Jim Henson (Plaza Sésamo, Dinosaurios), con guion de Terry Jones (Monty Python) y producción de George Lucas. Fue la última obra de Henson antes de su fallecimiento. Quizás por eso, verla hoy tiene un aire especial, como si estuviéramos entrando en su legado más íntimo.La historia es simple pero poderosa: Sarah (una Jennifer Connelly con aires de adolescente sin edad) debe atravesar un laberinto para rescatar a su hermano pequeño, secuestrado por los duendes y retenido por el carismático y enigmático Jareth (un David Bowie en sus Golden years), el rey de los goblins.

Un universo de criaturas inolvidables

El viaje de Sarah está lleno de personajes que se quedan grabados en la memoria:

Hoggle, un enano avaricioso pero noble (interpretado por el hijo de Henson).

Sir Didymus y su fiel corcel Ambrosius

Ludo, el gigante tierno que habla con las rocas.

Incluso las decenas de marionetas y personajes secundarios del film tienen un pesosimbólico. La anciana de la basura, por ejemplo, representa el apego a la infancia y la dificultad de crecer, cargando literalmente con recuerdos que impiden avanzar. Y la lechuza, asociada a Jareth, se convierte en metáfora de la sabiduría que Sarah va ganando en su recorrido.

Bowie y esa música que hechiza

La banda sonora, compuesta por Trevor Jones, mezcla sintetizadores y elementos orquestales  para crear una atmósfera etérea. A esto se suman cinco temas interpretados por Bowie, entre ellos Magic Dance, Within You y As the World Falls Down, que le dan al soundtrack un sello único.

La interpretación de Bowie como Jareth fue criticada en su momento por ser “exagerada”, pero lo cierto es que esa intensidad es lo que lo convierte en un personaje icónico: un Peter Pan perverso y atractivo, que busca retener a Sarah en su mundo idealizado. Para mí, Bowie no solo actúa: hipnotiza, y cada movimiento suyo es parte de la magia que hace inolvidable esta película.

Más que un cuento infantil

Detrás de su apariencia de fábula, Labyrinth toca temas profundos:

-El paso de la niñez a la madurez.

-El empoderamiento femenino, con Sarah enfrentando sus miedos y tomando decisiones propias.

-La aceptación personal, reflejada en la diversidad de criaturas y pruebas del laberinto.

De fracaso a culto

Aunque fue un fracaso en taquilla, la película encontró su público en el mercado del VHS y se convirtió en una película de culto. Hoy sigue siendo disfrutada por nuevas generaciones gracias a su honestidad, su aire artesanal y la magia del legado de Henson. 

Sí, sus efectos especiales pueden parecer envejecidos, pero esa mezcla de marionetas y actores reales en una era previa al CGI conserva un encanto nostálgico que la hace entrañable.

Conclusión

Labyrinth es una obra que merece ser vista al menos una vez en la vida. Es un viaje fantástico que combina humor, aventura, surrealismo y una música inolvidable. Al fin y al cabo, es una película que nunca envejece porque nos recuerda que todos seguimos buscando nuestro camino entre la magia y la realidad. Y si, como yo, creciste con esta película y todavía hoy te emociona volver a verla, te recomiendo seguir explorando la fantasía ochentera con títulos como Willow, El vuelo del navegante o La princesa prometida.

By Mar101